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Entrevista principal con Ross Lovegrove

Escultor de la tecnología: Ross Lovegrove sobre ADN, IA y el futuro de la forma

En un mundo de greenwashing y diseño superficial, Ross Lovegrove, uno de los diseñadores más reconocidos e influyentes del mundo, defiende un diseño biointeligente donde materiales, algoritmos y emoción responden a un código interno.

Lo primero que Ross Lovegrove me dice desde su base en Dubái es que siempre se ha considerado menos diseñador y más un “escultor de la tecnología”. Esta afirmación adquiere una fuerza especial en 2026, cuando gran parte de lo que se entiende por diseño es, en su opinión, poco más que estética superficial aplicada a interfaces adictivas y productos desechables. Para Lovegrove, la forma nunca es superficial: cada curva, vacío y superficie debe responder a una lógica más profunda que fusiona el rigor industrial con una especie de poesía biosférica, de modo que los objetos parezcan haber crecido en lugar de haber sido fabricados.

Su ya conocida filosofía del ADN, Diseño, Naturaleza, Arte surge en la conversación no como un eslogan, sino como un sistema vivo de pensamiento. Sugiere que un producto, un edificio o incluso una marca debería tener un código genético interno, una secuencia invisible que sostenga su honestidad material, su impacto emocional y su relevancia a largo plazo. Lovegrove habla de estudiar los materiales hasta que sus propiedades inherentes “prevalezcan”, impulsando algoritmos y fabricación aditiva para lograr lo que denomina un win–win–win: mínima energía, mínima masa de material, máximo efecto. Ya sea hablando de motores de cohetes optimizados mediante ingeniería computacional, de una silla impresa en 3D nacida de un diálogo con IA o del ADN orgánico perdido de una histórica marca de automóviles, el mismo principio se mantiene: la integridad reside en el código, no en el acabado.

Lo que ha cambiado en torno a ese código, sugiere, es el entorno. La convergencia de la IA, la cultura digital acelerada y el apetito global por lo inmediato ha facilitado amplificar lo superficial y dificultado identificar lo verdaderamente sustancial. Lovegrove es especialmente crítico con el greenwashing y el branding nostálgico que rompe con su propia herencia genética, aunque se muestra energizado por las posibilidades de co-crear con sistemas inteligentes: entrenar modelos con décadas de sus dibujos, seleccionar una única “semilla” entre cientos de variantes generadas por IA, alimentar su propio ADN de diseño en un bucle continuo. Durante la conversación, oscila entre Basquiat y la computación cuántica, entre museos que tratan su obra como escultura y startups en Silicon Valley y Shenzhen que ven en ella un nuevo paradigma estético. El hilo conductor es claro: en un futuro desmaterializado y polisensorial, lo que perdurará serán los códigos, humanos, biológicos y computacionales que contienen un significado real.

¿Podría resumir para nuestros lectores su filosofía del ADN y reflexionar sobre cómo ha evolucionado y cómo se siente actualmente respecto a ella?

Creo que la superficialidad en el arte y el diseño continuará, ya que en muchos sentidos está legitimada por una combinación de atracción inmediata, ignorancia del consumidor y pasividad.
Para ser justos con consumidores y coleccionistas, las cosas están cambiando rápidamente en términos de gusto y sistema de valores, por lo que es cada vez más fácil exagerar la importancia de las cosas.

Además, la gente no sabe cómo se hacen realmente los objetos, por lo que, desde los coches hasta los relojes o los smartphones, todo se juzga por otras percepciones: estilo atractivo, funcionalidad sorprendente, calidad de construcción o adopción masiva.

Cada vez es más difícil definir la integridad… Pienso en Basquiat frente a Rembrandt o Rolls Royce frente a BYD: están tan alejados generacionalmente que casi resulta absurdo compararlos.

En mi caso, tras años defendiendo un enfoque evolutivo del diseño, la convergencia de la IA, las tecnologías adictivas y la búsqueda de formas más emocionalmente libres, no derivadas de forma cínica, sino con significado y presencia sofisticados está empezando a entenderse. Varias startups tecnológicas en Silicon Valley y Shenzhen se están acercando a mí porque ven mi trabajo como un nuevo cambio de paradigma estético.

Si un producto, un edificio o incluso una marca tuviera un código genético interno y usted pudiera secuenciar su ADN, ¿qué elementos esperaría -o al menos desearía- encontrar en él?

Me considero un escultor de la tecnología y siempre he valorado el trabajo de diseñadores que fusionan arte y diseño.

El diseño con mentalidad escultórica destaca; no cuesta más producirlo, pero celebra y respeta los recursos materiales que utiliza. Requiere más tiempo de estudio y creación, ya que se buscan propiedades que prevalezcan y permitan extraer una sensación de rareza y singularidad de los procesos de industrialización. Todo lo que diseño, absolutamente todo, se concibe de esta manera.

Lo hago porque quiero que mi trabajo sea fascinante, de otro mundo, nuevo y visceralmente cautivador, tanto visual como físicamente, ya que creo que este es el verdadero lenguaje universal de una especie biosférica.

Si pensamos en usted más como un biólogo evolutivo que como un diseñador, trabajando con lo que denomina “esencialismo orgánico”, ¿qué significa eso en la práctica en 2026, cuando muchas marcas siguen recurriendo a un diseño superficial en lugar de a una integridad estructural?

ADN significa Diseño, Naturaleza, Arte, pero también implica una conexión biológica con la esencia misma de la vida. De hecho, conocí a James Watson, codescubridor del ADN, y me impresionó la fluidez del intercambio sobre el proceso creativo y cómo revelamos lo invisible, especulando desde una posición de puro instinto: saber que algo puede existir y luego buscarlo.

El diseño funciona así y casi tiene una dimensión cuántica en su origen.

Ha creado desde sillas y luminarias hasta conceptos de transporte e intervenciones arquitectónicas; museos de todo el mundo exhiben su obra como si fuera escultura. ¿Cuándo un objeto diseñado deja de ser “diseño industrial” y se convierte, en su opinión, en una escultura viva?

Sí, absolutamente. En mi segunda charla TED Global, titulada Lovegrove GENESIS en 2013 en Oxford, propuse utilizar algoritmos para alimentar un modelo con todo lo que sabemos sobre un objeto y que este nos devuelva la versión contemporánea optimizada de lo que debería ser, no de lo que podría ser.

Uno es un modelo basado en código impulsado por absolutos; el otro es estilismo. En una época marcada por el consumo energético, las emisiones de CO₂, la escasez de recursos y los conflictos, existe una necesidad legítima de racionalizar los objetos producidos en masa en todos los sentidos. Pero esto puede ser un win–win–win: mínima energía, mínima masa de material, máximo efecto… como en la naturaleza.

El trabajo de mis amigos Lin Kayser y Josefine Lissner de LEAP 71 (pioneros en el campo de la ingeniería computacional) lo demuestra: son algunos de los mejores programadores del mundo, diseñando motores de cohetes avanzados impresos en 3D. Sus formas son, para mí, una prueba de concepto.

Secuenciar el ADN de marcas del pasado, presente y futuro, incorporando lo que representan filosóficamente, puede convertirse en una estrategia empresarial extraordinaria, porque elimina la arbitrariedad de la creación humana, a menudo guiada por objetivos difusos y resultados superficiales.

Hoy en día, las marcas hablan mucho de sostenibilidad, pero gran parte de lo que producen sigue respondiendo a la novedad a corto plazo. Como alguien apodado “Captain Organic”, ¿cómo distingue entre un diseño biointeligente genuino y una estética de greenwashing? ¿Qué preguntas deberían hacerse los líderes de marca antes de lanzar algo nuevo?

El greenwashing está en todas partes, así que hay que preguntarse: ¿qué están sosteniendo realmente las marcas? Es un tema muy complejo, especialmente cuando sabemos que el uso de combustibles fósiles está creciendo exponencialmente para alimentar la IA y el futuro que se despliega rápidamente. Me temo que es un “todo vale” y que, hagamos lo que hagamos, las fuerzas de cambio son demasiado grandes.

Los materiales alternativos aún no son escalables y a menudo tienen aplicaciones primitivas, por lo que es una ilusión pensar que podemos resolver el problema únicamente con ellos. La IA sin duda impulsará nuevas innovaciones energéticas y, con ello, nuevos materiales y procesos que actúen como contrapeso natural a la permanencia rígida de la fabricación moderna. La fabricación aditiva (impresión 3D) es clave en este proceso y los avances son asombrosos en biotecnología, aeroespacial, diseño de producto, automoción, arquitectura y otros ámbitos.

En sus exploraciones con IA, colaborando con Google DeepMind para traducir su lenguaje biomórfico en nuevas formas, ¿qué le ha sorprendido más de ver a una IA “aprender” su forma de pensar? ¿Dónde traza la línea entre co-creación y pérdida de autoría?

Este tema me resulta fascinante como diseñador que siempre ha adoptado nuevas tecnologías emergentes. No tengo escepticismo hacia ellas; la llegada de la IA era previsible para mí. Adoptarla es increíble, es como colaborar con miles de uno mismo: tu filosofía, ADN y estética se amplifican.

La gran ventaja es que tengo una enorme biblioteca de proyectos e investigación propios que puede generar infinitas variantes y combinaciones. Si alimentas el modelo contigo mismo, obtienes una concentración orgánica, fluida, casi como un avatar. Como si el diseño generativo morfogénico fuera el código fuente de la vida.

El trabajo de Zaha Hadid o Frank Gehry es un buen ejemplo: no copian a nadie más que a sí mismos. Lo mismo ocurre con artistas como Pollock o Kapoor, demostrando el valor cultural y económico de una iconografía única e intensa.

Mi colaboración con Google DeepMind fue clave. Queríamos crear una silla sin mencionar nunca la palabra “silla”. Alimentamos el modelo con mis dibujos, realizados durante años en cuadernos de cuero. La IA devolvió formas similares a las mías, pero con geometrías extremas tipo Gaudí-Geiger, más centradas en la belleza que en la lógica.

Se generaron más de 600 variantes, de las cuales seleccioné una como “semilla”. Se modeló y se imprimió en 3D en España por Oxido Studio. El resultado fue fascinante: cercano a una silla funcional, pero imperfecto.

Esto generó un debate interesante: ¿por qué usar IA para crear algo inferior a lo que podría hacer sin ella? Pero creo que, con las nuevas generaciones, el pasado dará paso a lo inmediato y lo nuevo. Para mí, es clave mantener la fusión entre pasado, presente y futuro.

Si tuviera libertad absoluta para rediseñar todo el universo físico de una marca global -desde productos hasta espacios o microinteracciones- bajo el prisma de Diseño, Naturaleza y Arte, ¿qué haría primero que podría asustar a su departamento de marketing pero entusiasmar a las futuras generaciones?

Es una gran pregunta. Mira lo que hizo Jaguar recientemente: fue sorprendentemente destructivo. Pensaron que sería disruptivo, pero fue ilógico. Siguieron la moda superficial y un discurso de marketing vacío.

Jaguar tiene un ADN orgánico extraordinario. Sus coches reflejaban diversidad, integridad y belleza. Esto no es nostalgia, es entender el ADN, el origen, la relación entre escultura, material, forma y movimiento.

Ese ADN es una oportunidad para reconstruir la marca desde la inteligencia emocional como código base. La inteligencia emocional es una fuerza que conecta con las personas, transformando materiales en algo extraordinario.

Yo despediría al departamento de marketing y lo sustituiría por un equipo joven especializado en IA avanzada. Trabajaría con Google DeepMind y Jaguar en un modelo colaborativo. No es algo aterrador, es inteligencia creativa estratégica basada en una visión clara, como el efecto Steve Jobs o Elon Musk, pero orientado a fusionar belleza y lógica en nuestra biosfera.

FIN